ENRICO CARUSO

ENRICO CARUSO

lunes, 19 de noviembre de 2012

LOS MEJORES COMPOSITORES DEL MUNDO

Isaac Manuel Francisco Albéniz y Pascual (Camprodón, 29 de mayo de 18601 – Cambo-les-Bains, 18 de mayo de 1909) fue un célebre compositor y pianista español. A pesar de ser un famoso compositor de piano, Isaac Albéniz de ningún modo se limitó a la música para dicho instrumento. De hecho, dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años en vida a escribir temas para teatro —como su más exitoso trabajo operístico, Pepita Jiménez— interpretar conciertos o la grabación de su ópera Merlín, mientras que intermitentemente durante su carrera escribió canciones —más de dos docenas— así como varios temas orquestales y de cámara. El fondo personal de Isaac Albéniz se conserva, entre otras instituciones, en la Biblioteca de Catalunya

Béla Viktor János Bartók, conocido como Béla Bartók (en húngaro: Bartók Béla), (Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro -actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía-, 25 de marzo de 1881- Nueva York, 26 de septiembre de 1945) fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental. Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología.

Ludwig van Beethovennota (Bonn, 16 de diciembre de 1770nota 2 – Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior. Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo xix. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara. Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta), dos misas (la Missa Solemnis Op. 123 en re mayor) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera Sinfonía, también llamada Eroica,nota 3 en mi♭ mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785).

Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (n. Catania, Sicilia, Reino de las Dos Sicilias, 3 de noviembre de 1801 - † Puteaux, Francia, 23 de septiembre de 1835). Compositor siciliano.Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio. Durante el siglo XX destacaron en este papel María Callas, que fue la más famosa Norma del siglo; y Joan Sutherland quien recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores. Luego de tratar de introducirse en el ambiente operístico de Londres con escasa resonancia, Bellini se retiró a París. En Francia le sorprendió la muerte a los 34 años, tras una breve enfermedad.

Alban Maria Johannes Berg (9 de febrero de 1885 – † 24 de diciembre de 1935) fue un compositor austríaco. Fue alumno de Arnold Schoenberg y perteneció a la Segunda Escuela de Viena. Incursionó como ellos en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, escribiendo obras vinculadas a la estética expresionista, pero su música tiene además una sonoridad que siempre evoca la tonalidad, evocando siempre al romanticismo, y una inclinación marcadamente dramática. Sus tres obras más conocida son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y Lulú

Louis Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria. Berlioz fue muy influido por la literatura. En su Sinfonía fantástica, se inspiró en la obra de Thomas de Quincey, Confesiones de un inglés comedor de opio. Para La maldición de Fausto se basó en la traducción hecha por Gérard de Nerval sobre el Fausto de Goethe; Harold en Italia, está basada en Las peregrinaciones de Childe Harold, de Byron; Benvenuto Cellini, sobre la autobiografía de Cellini; Romeo y Julieta, obviamente en la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta; su magnum opus Les Troyens se inspira en la Eneida de Virgilio; la comedia Béatrice et Bénédict sobre otra obra de Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces. Aparte de sus influencias literarias, Berlioz se fijó e imitó mucho a Beethoven, en aquel tiempo desconocido en Francia. También mostró reverencia a los trabajos de Gluck, Mozart, Étienne Méhul, Carl Maria von Weber y Gaspare Spontini. En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para saxofón, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolphe Sax en la interpretación de su saxofón.

Georges Bizet (pronunciado ʒɔʁʒ bizɛ) formalmente Alexandre César Léopold Bizet, (25 de octubre de 1838 – 3 de junio de 1875) fue un compositor francés, principalmente de óperas. En una carrera cortada por su muerte prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico. Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como estudiante en el Conservatorio de París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido como un pianista excepcional, aunque prefirió no aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los principales teatros de ópera parisienses se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron asimismo ignoradas en su gran mayoría; a resultas de esto, su carrera se estancó, teniendo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de las dos óperas que se llegaron escenificar —Los pescadores de perlas y La bella muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato. Tras la Guerra franco-prusiana de 1870–71, en la que Bizet sirvió en la Guardia Nacional, tuvo algo de éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal derivada de su música incidental de la pieza teatral L'Arlésienne de Alphonse Daudet tuvo un éxito instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet Carmen fue retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero. El matrimonio de Bizet con Geneviève Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del mismo tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen, estuvieron en general desatendidas. Regalaron o se perdieron los manuscritos y las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años de abandono, sus obras se empezaron a interpretar de nuevo con más frecuencia en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura significó una gran pérdida para la música teatral francesa.

Arrigo Boito (Padua, 4 de febrero de 1842 - Milán, 10 de junio de 1918), poeta, narrador y refinado compositor italiano, conocido sobre todo por sus libretos y su ópera Mefistofele. Estudia violín, piano y composición en el Conservatorio de Milán, desde 1854. Terminados sus estudios, parte con Franco Faccio a París donde entra en contacto con Gioacchino Rossini. Visita después Polonia, Alemania, Bélgica e Inglaterra. De regreso a Milán, después de un período en el que trabaja en varios oficios, en 1862 escribe la letra del Himno de la Nación, que es luego musicalizado por Giuseppe Verdi para la Exposición Universal de Londres. Trabaja varios años en una ópera acerca del mito de Fausto, Mefistofele (basada en el Faust de Göthe) –tema que también fue musicado en obras de Louis Spohr (una ópera compuesta en 1816), Richard Wagner (su Obertura de Fausto en re menor, de 1844), Hector Berlioz (La Damnation de Faust, obra dramática no teatral, de 1846), Charles Gounod (una ópera, de 1859) y, posteriormente, en el siglo XX, Ferruccio Busoni (su ópera Doktor Faust, de 1916). Durante dos meses de 1866, junto a sus amigos Franco Faccio y Emilio Praga, sigue a Giuseppe Garibaldi en las acciones del Trentino. En 1868 presenta en La Scala de Milán su ópera Mefistofele. El estreno no es bien recibido y provoca desórdenes y peleas por su supuesto "wagnerismo"; después de dos representaciones la policía interrumpe las funciones. Boito hace varias revisiones de la ópera y realiza cortes (la parte de Fausto, escrita para un barítono, es reescrita para tenor). La nueva versión, presentada en 1876 en el Teatro Comunal de Bolonia, es un gran éxito y a partir de entonces forma parte del repertorio más conocido de óperas y es presentado con frecuencia. El papel más famoso del tenor Beniamino Gigli (1890-1957) fue justamente el de Fausto de esta Mefistofele. Aparte de Mefistofele, Boito escribió muy poca música. Terminó (pero más tarde destruyó) otra ópera, Ero e Leandro, y dejó incompleta otra más, Nerone, en la que había estado trabajando, de manera discontinua, entre 1877 y 1915; excluyendo su último acto, para el que Boito dejó sólo unos pocos esbozos, Nerone fue terminada tras su muerte por Arturo Toscanini y Vincenzo Tommasini y se estrenó en La Scala, 1924. Mefistofele es la única de sus obras que actualmente se representa con cierta regularidad. El prólogo a la ópera, ambientado en el Cielo, es una pieza de concierto favorita. Enrico Caruso incluyó sus dos arias para tenor en su primera sesión de grabación.1 También dejó una Sinfonía en La menor en un manuscrito.2 En los siguientes años se dedica principalmente a la poesía y la escritura de libretos para otros compositores. Los resultados más notables de este período son La Gioconda para Amilcare Ponchielli (para la cual utiliza el seudónimo de "Tobia Gorrio", anagrama de su nombre), Otello (1883) y Falstaff (1893, considerada una de las mejores comedias del mundo) para Giuseppe Verdi. Otros libretos incluyen Amleto para Faccio, La Falce para Alfredo Catalani y la revisión del texto de Simón Boccanegra (1881) para Verdi. Fue considerado un escritor scapigliati. El movimiento literario y artístico Scapigliatura (‘libertinaje’) se desarrolló tras la proclamación del reino de Italia (1861) sobre todo en el norte, y en particular en Milán, capital del mundo editorial y del periodismo. Los scapigliati adoptaron posiciones bastante críticas frente a la literatura y la cultura italianas de su tiempo, admirando sobre todo a autores extranjeros como Baudelaire, Gautier, Heine, Hoffmann, Jean Paul y Poe: una predilección que determinó un positivo efecto de apertura y rejuvenecimiento de la cultura literaria italiana. Como poeta compuso Rey Oso (1865) y El libro de los versos (1870), aunque escribió también cuatro novelas, entre las cuales destaca El alfil negro (1867), historia de una partida de ajedrez a muerte entre un negro, Tom, y un blanco, Giorgio Anderssen, en la que cada uno lleva su correspondiente color. Escribe poemas, novelas y ensayos para la Gaceta Musical. Compone una segunda ópera llamada Eros y Leandro acerca del amor homosexual, pero al quedar descontento con el resultado la destruye. Posteriormente inicia la composición del libreto y la música de otra ópera, Nerone; en 1901 publica el libreto, pero no llega a completarla. De esto se encargan posteriormente los compositores Arturo Toscanini y Vincenzo Tommasini y es estrenada en el Teatro La Scala de Milán el 1 de mayo de 1924. Entre 1889 y 1897 fue director del Conservatorio de Parma. Se encuentra sepultado en el Cementerio Monumental de Milán.

Aleksandr Porfírievich Borodín (Александр Порфирьевич Бородин) (San Petersburgo, Imperio Ruso, 12 de noviembre de 1833 – Ibídem, 27 de febrero de 1887) fue un compositor y químico, destacado dentro de los compositores del nacionalismo ruso, también conocido por formar parte del Grupo de los cinco. Era hijo ilegítimo del príncipe georgiano Luká Stepánovitch Gedevanishvili (62), quien lo registró conforme a la usanza de la época como hijo de uno de sus sirvientes Porfiri Borodín. Su madre fue Evdokia (Eudoxie) Constantínovna Antónova (25), apodada por el diminutivo Dunia. Su padre muere cuando Aleksandr tenía 7 años, quien lo incluye en su testamento. Aleksandr fue un autodidacta, aprende a tocar flauta, violonchelo y piano. Tuvo una vida confortable y recibió una buena educación incluyendo clases de piano, francés y alemán. A los 15 años se inscribe en la Facultad de Medicina, a los 21 es contratado en el Hospital de la Armada Territorial y a los 23 como profesor de la Academia Militar de Química. Sin embargo, su área de especialización fue la química, por lo cual no recibió clases formales de composición hasta 1863, cuando se convirtió en discípulo de Mili Balákirev. Tuvo dos hermanos, Dmitri Serguéievich Aleksándrov y Evgueni Fiódorovich Fiódorov, que fueron registrados como hijos de los sirvientes del príncipe. Se casa en 1861 con una famosa y talentosa pianista nacida en Heidelberg, Ekaterina Serguéievna Protopópova, con quien tuvo tres hijos. En 1869 Balákirev le dirigió su primera sinfonía y en ese mismo año Borodín comenzó la composición de su segunda sinfonía. Aunque el estreno ruso de esta última fue un fracaso, Franz Liszt logró que fuera interpretada en Alemania en 1880, donde tuvo bastante éxito, dándole fama fuera de Rusia. También en 1869 empezó a trabajar en la composición de su ópera Príncipe Ígor, que es considerada por algunos su obra más importante. Esta ópera contiene las ampliamente conocidas Danzas Polovtsianas (o Danzas de los pólovtsy), siendo éste un fragmento comúnmente interpretado por sí mismo, tanto en su versión coral como orquestal. Debido a la gran carga de trabajo como químico, la ópera quedó inconclusa al momento de su muerte, siendo completada posteriormente por Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Glazunov. A pesar de ser un compositor reconocido, Borodín siempre se ganó la vida como químico, campo en el cual era bastante respetado, particularmente por su conocimiento de los aldehídos. A Borodín también se le atribuye el descubrimiento de la reacción aldólica, una importante reacción en química orgánica, junto con Charles-Adolphe Wurtz y de otra reacción química conocida como reacción Borodin-Hunsdiecker. En 1872, participó en la fundación de una escuela de Medicina para mujeres. Él se consideraba a sí mismo un "compositor dominguero", del mismo modo que no fue tan prolífico como otros compositores contemporáneos. Sus obras incluyen el poema sinfónico "En las estepas del Asia Central", dos cuartetos de cuerdas, donde el tercer movimiento Nocturno del segundo cuarteto goza de gran fama, un quinteto para cuerdas, un quinteto para piano y cuerdas, una sonata para violoncelo y piano, 16 canciones para bajo y piano, tres de ellas además con violoncelo, piezas para piano, así como las ya mencionadas sinfonías 1 y 2, más una tercera incompleta al momento de su muerte (con dos movimientos completados por Glazunov), el segundo movimiento de la tercera sinfonía, Borodín lo transcribió a cuarteto de cuerdas como un Scherzo. Tras la muerte de Modest Músorgski en marzo de 1881, sufre de ataques cardiacos y cólera. Borodín murió a los 53 años de un infarto durante una fiesta organizada por los profesores de la academia en San Petersburgo, el 27 de febrero de 1887 y fue enterrado en el cementerio Tijvin del monasterio Aleksandr Nevski. Su esposa le sobrevivió 5 meses. En su honor, un cuarteto de cuerdas lleva su nombre Cuarteto Borodín, fundado en Rusia en 1945. El pintor Iliá Yefímovich Repin (1844–1930) hizo un magnífico retrato de Borodín [1], que se encuentra en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Tomás Bretón y Hernández, (Salamanca, 29 de diciembre de 1850 - Madrid, 2 de diciembre de 1923), músico español.Compositor y violinista español nacido en Salamanca el 29 de diciembre de 1850. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy en su ciudad natal, donde se ganó la vida tocando en pequeñas orquestas provinciales, teatros e iglesias. A los 16 años se trasladó a Madrid, donde tocó en orquestas de teatros de zarzuela y continuó su aprendizaje en el Real Conservatorio bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta. En 1872 recibió, junto con Ruperto Chapí, el primer premio de composición del Conservatorio. Tras varios años trabajando en pequeños teatros en 1882 fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. Allí encontró tiempo para trabajar en obras más ambiciosas, como el oratorio El Apocalipsis y su ópera Los amantes de Teruel. El estreno de esta última en el Teatro Real de Madrid le consolidó como el principal impulsor de la ópera española. Debe destacarse además su intensa labor como director de orquesta, primero en la Unión Artístico Musical (1878-81), que él mismo fundó, como en la Sociedad de Conciertos de Madrid, principal orquesta madrileña que dirigió entre 1885 y 1891. Logró consolidar los ciclos de conciertos en Madrid con programaciones abiertas a la música española y a las novedades internacionales. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921, luchando por modernizar las enseñanzas del centro y buscando relaciones internacionales. Murió en Madrid el 2 de diciembre de 1923. [editar]Tomás Bretón y la ópera española. La ópera constituye el hilo conductor de la carrera de Tomás Bretón (1850-1923), a pesar de que su intensa actividad le llevó a otros campos, como director de orquesta, director del Conservatorio de Madrid y prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos. No obstante, la ópera fue su verdadera obsesión y siempre tuvo sobre su mesa un libreto sobre el que trabajaba. Son muy numerosos los escritos en los que defendió la importancia de la ópera nacional, escribiendo entre 1885 y 1919 folletos, conferencias y discursos que expuso en los principales foros culturales de su época, como la Academia de Bellas Artes, Ateneo de Madrid, Círculo de Bellas Artes y el propio Conservatorio, del que fue director durante más de veinte años. En ellos insiste siempre en las mismas ideas, criticando la desidia y desinterés de las infraestructuras musicales de su época, y proponiendo opciones para solucionar el problema de la ópera nacional: 1- Utilización del idioma propio en la ópera. Según Bretón, el rasgo fundamental es la utilización del castellano, proponiendo incluso la traducción del repertorio internacional, a la manera de otros países como Alemania o Inglaterra. No obstante, este rasgo también favorece el desarrollo de un estilo musical propio, en el que se integran temas y cantos nacionales, sin buscar ningún carácter de esencia, ni ninguna mística nacionalista a la manera de Pedrell. 2- Asimilación en la ópera nacional de los modelos operísticos internacionales. Bretón no renuncia a sintetizar en sus obras las prácticas europeas, tanto la grandiosidad de la ópera francesa, como el desarrollo sinfónico wagneriano o la tradición italiana, a la que no renuncia dada la afinidad latina de lo español. 3- El desarrollo de la ópera nacional no es sólo una cuestión cultural, sino también económica, ya que permitirá el desarrollo de teatros y redes de producción nacionales que repercutirán en la economía española. De esta manera, los gastos de la ópera no irán a parar a los divos y compositores extranjeros, sino a los artistas nacionales, que encontrarán en la ópera un importante medio de vida. Además, el mercado es potencialmente muy amplio debido a las posibilidades que ofrece la América de habla hispana. La defensa de la ópera nacional no se limitó al plano teórico, sino que a lo largo de su vida compuso una serie de óperas en las que exponía de manera práctica sus ideas. Su primera ópera fue Guzmán el Bueno (1876), trabajo de corte escolar con un excesivo carácter tradicional condicionado por el libreto de Arnao. Aun así, el estreno de esta modesta ópera en un acto resultó bastante complicado, lo que ponía en evidencia la escasa receptividad de los teatros españoles para el género operístico. La disponibilidad de tiempo para trabajar facilitada por la beca de la Academia de Roma entre 1881 y 1884, ofreció a Bretón la posibilidad de afrontar un trabajo operístico más complejo y ambicioso en Los amantes de Teruel, que no se estrenó hasta 1889 tras una larga polémica. El modelo elegido fue el del melodrama romántico de temática histórica, inspirado en una leyenda medieval, que hacia 1880 estaba ya en desuso en la ópera europea. El propio Bretón tuvo que escribir el libreto ante la ausencia de literatos españoles interesados en la ópera. Aun así, en su estilo musical integró las diferentes prácticas operísticas, sintetizando las corrientes wagnerianas con la tradición belcantista italiana. De esta manera, la preponderancia de las voces –que mantienen siempre el protagonismo– no impidió un destacable desarrollo sinfónico, con un elaborado tejido de temas recurrentes a manera de leitmotiv. Esta influencia puede resultar paradójica a la vista de algunos comentarios muy críticos con la obra de Wagner, como los que anotó en su diario durante su estancia en Viena, aunque Bretón tan sólo rechazó los aspectos más modernos del drama lírico wagneriano, especialmente las atrevidas innovaciones armónicas. De hecho, el modelo operístico en que se inspira el maestro salmantino es el de la ópera romántica del primer período de Wagner, como queda con claridad demostrado en su siguiente ópera, Garín o l’eremita di Montserrat (1892), directamente inspirada en Tannhäuser. En este nuevo trabajo, encargado por el Círculo del Liceo de Barcelona, su música mostró una mayor madurez con una marcada tendencia a romper la estructura cerrada de los números, en favor de un drama lírico abierto –articulado en escenas– más próximo a las concepciones wagnerianas. Así, en Garín o l’eremita di Montserrat se integran con mayor acierto en el discurso dramático todos los elementos musicales, tanto en el aspecto sinfónico como en el vocal, además de algunos motivos populares catalanes. En estos primeros trabajos operísticos, Bretón utilizó los modelos europeos –tanto italianos como germánicos– sin preocuparse por el carácter nacional, salvo pequeños detalles de color local para caracterizar algunas situaciones. Según manifiesta en sus escritos, la ópera nacional se sustentaba con exclusividad en la utilización del idioma nacional, concepción que le alejaba de las ideas herderianas de Pedrell con la búsqueda del espíritu de los cantos populares. El énfasis en los elementos populares va a emerger del contacto con la estética realista –que tenía su correlato operístico en el verismo– en La Dolores (1895), que él mismo denominó “ópera española” por primera vez. En La Dolores lo popular surge del esfuerzo de representar sobre la escena la música que se utilizaba en el ambiente real en que se desarrolla la acción, que Bretón reproduce con la mayor fidelidad, lejos de los tópicos efectistas del género; un claro ejemplo de esto lo podemos encontrar en la famosa jota del final del primer acto. Pero además los elementos de la música popular se integran plenamente en el discurso musical, desde pequeños detalles melódicos hasta el uso de la cadencia “andaluza” en las escenas de mayor dramatismo, como los dúos de Dolores y Melchor o la lucha del final de la ópera. La relación con el verismo se nota además en la simplificación del discurso musical, que produce un mayor protagonismo de las voces en detrimento de la elaborada trama sinfónica de sus anteriores óperas, como lo demuestra la escasez de temas y motivos recurrentes. De esta manera, La Dolores suponía una ruptura con sus anteriores modelos, planteando una original adaptación de las prácticas veristas a la música española, tal como sucede en toda Europa en la década final del siglo XIX. Resulta difícil comprender por qué Bretón no continuó en su siguiente trabajo operístico con la línea iniciada en La Dolores, que además de constituir un gran éxito de público había resultado tan acertada como propuesta de ópera nacional. Así, en Raquel (1900) regresó a los modelos del melodrama histórico de sus primeros trabajos. Sin duda, Bretón elegía los temas que le parecían más dramáticos, al margen de cualquier prejuicio sobre su carácter nacional. El maestro salmantino vio en el tema de la judía de Toledo grandes posibilidades para caracterizar musicalmente la atractiva pasión amorosa de los personajes protagonistas enmarcada en un ambiente que oscilaba entre el carácter marcial de la corte cristiana y el mundo exótico y orientalizante de los hebreos. De hecho, lo más original de Raquel fue este segundo elemento, desarrollado tanto con los modelos musicales del denominado “alhambrismo sinfónico” –como las magistrales danzas del tercer acto– como con la apropiada austeridad de los cantos hebreos del comienzo. El propio Bretón la calificó como su “mejor ópera”, comentario que a la vista de la calidad de la partitura parece bastante razonable, demostrando que el duro juicio –tanto del público como de la crítica– con que fue recibida era fruto de la desidia del Teatro Real hacia la ópera nacional. Raquel supuso además una nueva experiencia negativa con la empresa del Teatro Real, que no le pagó los escasos derechos de representación que le correspondían. El desinterés por la ópera española en este teatro alcanzó su grado máximo en los años siguientes, en especial durante la conservadora gestión de José Arana. Esto dejó en un cierto desamparo las producciones operísticas nacionales, agravado por el fracaso del proyecto del Teatro Lírico. Aun así es esta situación la que justifica la libertad de los últimos trabajos operísticos de Bretón, ayudada además por su favorable posición económica y social, a raíz de asumir el cargo de director del Conservatorio de Madrid en 1901. De esta manera, en Farinelli (1902) explora la música histórica, con una recreación del mundo musical del famoso castrado sobre anacrónicos modelos del Clasicismo, sin renunciar a un lenguaje musical próximo al del verismo por su intensidad expresiva. Más original fue la propuesta de Don Gil de las calzas verdes (estrenada en 1914, aunque finalizada en 1910), en la que abandona el drama por la comedia en uno de los escasos intentos de convertir en ópera el teatro del Siglo de Oro. Este cambio de carácter se refleja en un lenguaje musical de carácter más ligero, con una música más sencilla y tonal, que el propio Bretón definió como “deliciosa”. Muy diferente fue su última ópera, Tabaré (1913), un original proyecto sobre una epopeya uruguaya, con un discurso musical muy influenciado por el Tristán wagneriano y sonoridades atrevidas para caracterizar el ambiente americano. Con todos estos títulos Bretón manifiesta su independencia estilística, fruto de la madurez de su estilo musical, cerrando una trayectoria operística que no tiene parangón en ningún músico de su generación tanto por su continuidad como por la calidad de sus partituras.

Edward Benjamin Britten, Barón Britten, (Lowestoft, 22 de noviembre de 1913 - Aldeburgh, 4 de diciembre de 1976) fue un compositor, director de orquesta y pianista británico. Fue el primer músico o compositor que recibió un título nobiliario. Britten nació en [Lowestoft]], condado de Suffolk, Inglaterra, hijo de un dentista y de una talentosa música amateur. El día de su nacimiento, 22 de noviembre, es la festividad de santa Cecilia, patrona de la música, y el joven Britten mostró aptitudes musicales desde muy pequeño. Estudió en la Escuela Gresham y comenzó a componer desde temprana edad. En 1927 comenzó a tomar lecciones particulares con Frank Bridge. También estudió -menos felizmente- en el Colegio Real de Música con el compositor John Ireland y algunas intervenciones de Ralph Vaughan Williams. Aunque fue retirado por sus padres por sugerencia del equipo docente, Britten intentó estudiar con Alban Berg en Viena. En aquellos años, Berg no era considerado un "buen ejemplo". Las primeras composiciones de su autoría que llamaron la atención fueron la Sinfonietta (Op.1) y una selección de variaciones corales, A Boy was born1 para los cantores de la BBC. Al año siguiente conoció al escritor W. H. Auden, con quien colaboró en el ciclo de canciones Our Hunting Fathers,2 composición radical en su tratamiento musical y en el sentido político, y en otras obras. Relevancia más profunda tuvo su encuentro en 1936 con el tenor Peter Pears, con el que mantuvo una relación de pareja hasta su muerte, y que pasó a ser su colaborador musical e inspirador. A principios de 1939,año en el que empezo la segunda guerra mundial, ambos siguieron a Auden a Estados Unidos. Antes de partir puso música a las poesías de Arthur Rimbaud, Las Iluminaciones, dedicadas a Peter Pears y a Wulff Scherchen, hijo del director Hermann Scherchen. En América Britten compuso la opereta Paul Bunyan, inspirada en el personaje homónimo, primera obra lírica con libreto de Auden, así como el primer ciclo de canciones para Pears. Este periodo fue también notable por varios trabajos orquestales, incluyendo la "Variaciones sobre un tema de Frank Bridge", escrito en 1937 para orquesta de cuerdas, el "Concierto para violín" y la "Sinfonía de Réquiem", para orquesta completa. Britten y Pears retornaron a Inglaterra en 1942; en el viaje de regreso por mar el compositor completó los corales "Himno a Santa Cecilia", última colaboración con Auden, y "Ceremonia de Villancicos". Enseguida comenzó a trabajar en su ópera Peter Grimes, cuyo estreno en Sadler's Wells en 1945 fue uno de sus mayores éxitos. Britten comenzó a encontrar oposición en el ambiente musical de Londres, y gradualmente salió de escena fundando el Grupo de ópera inglesa en 1947 y el Festival de Aldeburgh al año siguiente con el objetivo, aunque no exclusivo, de interpretar sus propias composiciones. Britten fue nombrado Companion of Honour con motivo de la Coronación de Isabel II (1953). Su mayor éxito como compositor fue el Réquiem de Guerra, una obra en la que Britten mezcla la música de difuntos con una selección de poemas de Wilfred Owen. Fue escrita por encargo para la reapertura de la Catedral de Coventry, en 1962. Su intención era que esta obra fuese una manifestación contra cualquier tipo de conflicto bélico, una denuncia de la irracionalidad e inutilidad de la guerra, y que se convirtiese en un símbolo de un nuevo espíritu de unidad, de reconciliación en plena Guerra Fría, y así reunió a un trío de solistas que provenían de las tres naciones europeas que más protagonismo habían tenido en la guerra: el barítono alemán Dietrich Fischer-Dieskau, el tenor inglés Peter Pears y la soprano rusa Galina Vishnévskaya. Britten desarrolló una estrecha amistad con los rusos Dimitri Shostakóvich y Mstislav Rostropóvich, colaborando musicalmente con ellos. Recibió la Orden de Mérito del Reino Unido en marzo de 1965. En su última década, la salud de Britten -especialmente su corazón- se fue resintiendo progresivamente. De sus últimos trabajos cabe destacar las óperas Owen Wingrave (1970) y Muerte en Venecia (1971-3), así como la dramática cantata Phaedra (1975), compuesta para Janet Baker. El 2 de julio de 1976 recibió el título de Barón Britten de Aldeburgh, en el Condado de Suffolk, convirtiéndose, así, en el primer músico o compositor que recibió un título nobiliario. Falleció el 4 de diciembre de 1976, de insuficiencia cardíaca, en su casa de Aldeburgh. Fue inhumado en la iglesia de San Pablo. La tumba de su compañero, Sir Peter Pears está junto a la suya.

Alfredo Catalani (Lucca, 19 de junio de 1854 - Milán, 7 de agosto de 1893) fue un compositor de ópera italiano. Estudió con François Bazin en París y Antonio Bazzini en Milán, quien lo condujo a Giovannina Lucca, quien publicó su primera ópera, Elda (1876, revisada como Loreley en 1890), además de Dejanice (1883) y Edmea (1886). La unión comercial de Lucca con Ricordi en 1888 colocó a Catalani en una posición subordinada a Verdi y Puccini, sin embargo, su siguiente ópera, La Wally (1892), basada en un cuento folclórico del romanticismo alemán, fue producida con éxito en La Scala. La prematura muerte de Catalani contribuyó a que su trabajo, con su romanticismo y predilecciones wagnerianas, fuera pronto eclipsado por la cruda intensidad del verismo. Murió de tuberculosis a los 39 años, Arturo Toscanini nombró a dos de sus hijos con los nombres de los personajes de su ópera, Wally y Walter.

Gustave Charpentier (25 de junio, de 1860 - 18 de febrero, de 1956) fue un compositor francés, conocido ante todo por su ópera Louise. Nació en Dieuze, hijo de un panadero, y después de estudiar en el conservatorio de Lille entró en el Conservatorio de París en 1881. Estudió composición con Jules Massenet y en 1887 ganó el Prix de Rome por su cantata Didon. Durante el tiempo que estuvo en Roma gracias al premio, compuso la pieza orquestal Impressions d'Italie y empezó a trabajar en el libreto y la música de lo que sería su obra más conocida, la ópera Louise. Charpentier volvió a París, y siguió componiendo, incluyendo canciones sobre textos de Charles Baudelaire y Voltaire. Con el tiempo acabó Louise, y fue aceptada en la Opéra-Comique. Es un retrato realista de la clase trabajadora parisina, considerada a veces como un ejemplo temprano de ópera verista. Louise se estrenó el 2 de enero de 1900, con dirección de André Messager. Tuvo un éxito inmediato, siendo representada muy pronto por todo el mundo, obteniendo con ello Charpentier reconocimiento mundial. Igualmente, sirvió para lanzar la carrera de la soprano escocesa Mary Garden que se hizo con el rol titular en una de las primeras representaciones. Se hizo una película con esta ópera, en 1939 con Grace Moore en el papel titular, y Louise aún se representa ocasionalmente hoy en día, y su aria "Depuis le jour", es una pieza interpretada con frecuencia en los recitales. En 1902, Charpentier fundó el Conservatoire Populaire Mimi Pinson, para proporcionar educación artística gratuita a las jóvenes trabajadoras de París. Sin embargo, no siguió componiendo. Trabajó en una secuela de Louise, Julien, pero no tuvo tanto éxito como Louise en su estreno de 1913, y pronto se olvidó. Charpentier prácticamente no volvió a componer el resto de su vida. Murió en París.

Francesco Cilea, (Palmi, cerca de Regio de Calabria, 23 de julio de 1866 - Varazze, cerca de Savona, 20 de noviembre de 1950), fue un compositor de ópera, italiano, con un notorio éxito inicial que no logró mantener mientras el gusto del público fue cambiando. Cilea fue el heredero de la corriente verista italiana de finales del siglo XIX y principios del XX. En 1913, luego de estrenar un poema sinfónico coral en honor de Giuseppe Verdi en el Teatro Carlo Felice (Genova) de Génova, Cilea se dedicó a la dirección de conservatorios de música y la enseñanza. Dictó clases en Florencia, Palermo y finalmente Nápoles, donde trabajó desde 1916 hasta su retiro en 1936. Cilea publicó también piezas para piano. Su música de cámara no es muy conocida. El Conservatorio estatal de música de Reggio Calabria, debe su nombre a Cilea.

Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 - París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés. Junto con Maurice Ravel, fue una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones.1 Debussy es uno de los más importantes compositores franceses y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903.

(Clément Philibert) Léo Delibes (Saint-Germain-du-Val, (hoy un barrio de La Flèche, en el departamento de Sarthe), 21 de febrero de 1836 - París, 16 de enero de 1891) fue un compositor romántico francés, recordado por sus ballets Sylvia y Coppélia y, más recientemente, por su ópera Lakmé.

Domenico Gaetano Maria Donizetti, más conocido como Gaetano Donizetti (Bérgamo, 29 de noviembre de 1797 - Bérgamo, 8 de abril de 1848) fue un compositor italiano de óperas muy prolífico, conocido por sus obras L'elisir d'amore, que contiene la famosa aria "Una furtiva lágrima"; Lucia di Lammermoor, inspirada en la novela de Walter Scott; y La favorita. Aunque su repertorio de compositor abarca un gran número de géneros, incluida la música religiosa, cuartetos de cuerda y obras orquestales, es sobre todo conocido por su obra lírica, componiendo hasta 75 óperas.

Antonín Leopold Dvořák fue un compositor checo que nació en Nelahozeves el 8 de septiembre de 1841 y falleció en Praga el 1 de mayo de 1904, posromántico y nacionalista, uno de los grandes compositores de la segunda mitad del siglo XIX. Sin perder una amplia proyección internacional, supo extraer las esencias de la música de su tierra (Bohemia). Sin duda su obra más célebre es la Sinfonía del Nuevo Mundo.

Friedrich von Flotow (Teutendorf, 27 de abril de 1812 - Darmstadt, 24 de enero de 1883) fue un compositor alemán, recordado especialmente por su ópera Martha, muy popular a finales del siglo XIX y principios del XX, pero que hoy en día se representa muy rara vez. Flotow nació en una familia aristocrática. Estudió en el Conservatorio de París, donde recibió la influencia de Daniel Auber, Gioacchino Rossini, Giacomo Meyerbeer, Gaetano Donizetti, Jacques Halévy, Charles Gounod y Jacques Offenbach. Estas influencias se perciben en sus óperas que tienen un sabor a ópera cómica francesa. Terminó la composición de su primera ópera, Pierre et Cathérine, en 1835, pero su primer éxito fue Le naufrage de la Méduse (1839). Ese mismo año, colaboró con el compositor Albert Grisar para la obra L'eau merveilleuse. Friedrich von Flotow para la óporea L'eau merveilleuse (1839). Años después, en 1847, se estrenó en Viena su obra más popular, Martha. En total, Flotow compuso 29 óperas que han sido traducidas al italiano, francés e inglés, especialmente en los primeros años del siglo XX. Otra de sus obras que alcanzó cierta popularidad fue Alessandro Stradella. Entre 1856 y 1863, fue nombrado intendente del teatro de la corte en Schwerin. Pasó el resto de su vida en París y Viena. Flotow también es autor de obras instrumentales y canciones. Falleció en Darmstadt a la edad de 70 años.

George Gershwin (Brooklyn, Nueva York, 26 de septiembre de 1898 - Beverly Hills, California, 11 de julio de 1937), con nombre de nacimiento Jacob Gershovitz, fue un compositor estadounidense.

Umberto Menotti Maria Giordano (Foggia, 28 de agosto de 1867 - Milán, 12 de noviembre de 1948) fue un compositor italiano dedicado principalmente a la creación de óperas. Sus obras más conocidas son Andrea Chénier y Fedora, óperas románticas de estilo verista compuestas a finales del siglo XIX. Nació en Foggia, en Italia, y a pesar de la oposición de su padre se matriculó en el Conservatorio de Nápoles en 1882. Fue alumno de Paolo Serrao y escribió su primera ópera, Marina para un concurso académico. Posteriormente escribió Mala Vita, una valiente obra verista acerca de un hombre que promete reformar a una prostituta si él se cura de una tuberculosis. Esta obra causó cierto escándalo durante su representación en Roma en 1892, alcanzando más popularidad en Austria y Alemania. Giordano intentó un acercamiento más romántico con su siguiente ópera Regina Diaz (1894), pero ésta fue un fracaso, retirándose después de dos representaciones. Giordano entonces probó suerte en Milán, de nuevo con un tema verista, con su trabajo más conocido, Andrea Chénier (1896), con un libreto de Luigi Illica basado en la vida del poeta francés André Chénier. Fedora (1898) fue también un éxito, y es representada en la actualidad. Su trabajo posterior es menos conocido, aunque ocasionalmente representado. El teatro más importante de Foggia está dedicado a Umberto Giordano, en el que Andrea Chénier ha sido representada recientemente. También existe en Foggia una plaza en su honor, en el que varias estatuas recuerdan sus obras más famosas.

Mijaíl Ivánovich Glinka (en ruso Михаил Иванович Глинка) (Novospásskoie, provincia de Smolensk, 1 de junio de 1804 – Berlín, 15 de febrero de 1857) fue un compositor ruso, considerado el padre del nacionalismo musical ruso.

Christoph Willibald Ritter von Gluck, compositor alemán de origen germano-bohemio, nacido en Erasbach, actual Alemania, el 2 de julio de 1714 y fallecido en Viena el 15 de noviembre de 1787. Hijo de un guarda forestal. En 1736 el príncipe Lobkowitz tomó a Gluck a su servicio en Viena y un año después el príncipe Melzi se lo llevó consigo a Milán (Italia), donde recibió lecciones de composición de Giovanni Battista Sammartini. Fruto de estas enseñanzas fue su primera ópera seria, Artajerjes, estrenada en Milán en 1741, según el estilo italiano entonces imperante. Dado el éxito alcanzado, Gluck dio a la escena nuevos títulos, entre ellos Il Tigrane (1743), Semíramis reconocida (1748) en Viena, La clemencia de Tito (1752) y La Cinesi (1754). Ninguno de ellos dejaba entrever las innovaciones que le harían célebre, antes al contrario se adaptaban plenamente a las convenciones formales de la ópera seria. Determinante en su posterior evolución fue el conocimiento de la ópera francesa, la tragédie-lyrique de Jean Baptiste Lully y Jean Philippe Rameau, que tuvo oportunidad de estudiar en Viena. Influido por ella dio a conocer en 1761 el ballet Don Juan y la ópera Orfeo y Eurídice (1762), con libreto de su colaborador Raniero di Calzabigi. Esta reforma, sistematizada con detalle en el prólogo de su posterior trabajo, Alceste (1767), intentaba devolver a la ópera el espíritu de la tragedia griega. Mantuvo una rivalidad con el compositor italiano Niccolò Piccinni conocido como las Querella de gluckistas y piccinnistas. Con ese fin, Gluck eliminó el aria da capo, adecuó las voces a los personajes, sustituyó los recitativos secchi por otros acompañados por la orquesta, a la que enriqueció en efectivos y otorgó un mayor protagonismo, y difuminó las diferencias entre estos recitativos y las arias. El resultado fueron unas obras en las que devolvía a la ópera su contenido teatral, perdido en el Barroco. La Reforma Protestante no consiguió consolidarse en Viena, pero sí en Francia, país en el cual el músico se estableció en el año 1773 y en el cual dio a conocer con éxito Ifigenia en Áulide (1774), Armide (1777) e Ifigenia en Táuride (1779).

Antônio Carlos Gomes, (Campinas, 11 de julio de 1836 — Belém, 16 de septiembre de 1896) fue uno de los músicos más importantes del Brasil, el primer compositor del Nuevo Mundo cuya obra fue aceptada en Europa. Su obra más conocida, la ópera Il Guarany, fue presentada en el Teatro alla Scala, en Milán, Italia el 19 de marzo de 1870.

Charles François Gounod (18 de junio de 1818 - f. 18 de octubre de 1893), fue un compositor francés, considerado hacia 1900 el músico francés más importante del siglo XIX.

Georg Friedrich Händel (pronunciación alemana: [ ˈgeːɔɐk ˈfʁiːdʁɪç ˈhɛn.dəl ]; Halle, 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual. Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell, marcó toda una era en la música inglesa siendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.

Engelbert Humperdinck (Siegburg, Colonia, 1 de septiembre de 1854 – Neustrelitz, 27 de septiembre de 1921) fue un compositor alemán, mejor conocido por su ópera Hänsel y Gretel (1893) y por haber sido el asistente de Richard Wagner en Bayreuth. Estudió música en el conservatorio de Colonia y en la Escuela de Música de Múnich. Desde muy joven ganó becas y premios que le dieron la oportunidad de estudiar y viajar por el mundo. Estos viajes fueron una constante inspiración para él, y en su música encontramos influencias de sonidos e instrumentos de países lejanos. A Humperdinck se le ha relacionado con Richard Wagner, ya que su influencia fue muy importante en sus composiciones operísticas. Fue su colaborador y asistente para el estreno del festival sagrado Parsifal en el Festival de Bayreuth en 1882. Y Wagner lo nombró su apoderado cuando la familia vacacionó en Italia.

Leoš Janáček ( [ˈlɛoʃ ˈjanaːtʃɛk] (?·i)) (Hukvaldy, 3 de julio de 1854 – Ostrava, 12 de agosto de 1928) fue un compositor checo. Estudió música en el Conservatorio de Berlín y al regresar desempeñó el cargo de organista en Brno y también el de profesor en el Conservatorio de Praga. La producción más importante de Janáček es tardía: encontró su estilo personal a los 50 años, con la ópera Jenůfa, y a partir de ese momento compuso importantes obras en muchos géneros. A este periodo maduro pertenecen sus mejores obras para piano, obras de cámara, la Misa Glagolítica o la Sinfonietta. También tiene importantes recopilaciones de canciones populares eslavas, y música para coros. En la actualidad Janáček es considerado como uno de los grandes renovadores de la ópera del siglo XX. Muchos consideran que es el compositor checo más importante de principios del siglo XX, y además su importancia en los últimos años no ha dejado de aumentar, especialmente por la consideración cada vez mayor que sus óperas van adquiriendo dentro del panorama operístico del siglo XX.

Erich Wolfgang Korngold (Brno, Imperio austrohúngaro -actual República Checa-, 29 de mayo de 1897 - Los Ángeles, EE. UU., 29 de noviembre de 1957).Fallecerá el 29 de noviembre de 1957 en la tierra que lo encumbró mundialmente, Hollywood. Su sinfonismo musical ha influido en las generaciones posteriores de compositores cinematográficos. John Williams, gran exponente de la influencia de Korngold, en el año 1977 recuperó esta influencia levemente olvidada, con su partitura para "La guerra de las galaxias: Una nueva esperanza". Su obra de concierto ha experimentado una gran revalidación en los últimos años, en parte también por la reedición de varias de sus óperas y la restauración de las películas en DVD.

Édouard-Victoire-Antoine Lalo (Lille, 27 de enero de 1823 - † París, 22 de abril de 1892) violinista y compositor francés de ascendencia española. Dedicado durante mucho tiempo a una labor oscura, conoció el éxito con Symphonie espagnole, para violín y orquesta (1873), Concerto pour violoncelle (1876) y Rhapsodie norvégienne (1881), entre otras obras. En las dos primeras se observa una brillante valoración del virtuosismo, superada por la calidad de su Symphonie en "sol" mineur (1873). Influenciado por Richard Wagner en su ópera El Rey de Ys, poseía un profundo conocimiento de la orquesta y se destacó en la música de cámara (Quatuor à cordes, 1854; tres tríos) y en el Lied, influido por Schumann, pero dotado de un colorismo típicamente francés. Compuso también tres óperas (Fiesque, terminada por Coquard) y un ballet, Namouna (1882).

Ruggero Leoncavallo (* Nápoles, 23 de abril de 1857 - † Montecatini, 9 de agosto de 1919) fue un compositor italiano, uno de los principales exponentes del verismo (realismo) en la ópera como reacción frente al Romanticismo dominante de su época. Nació en Nápoles, hijo de un oficial de policía napolitano, y estudió en el conservatorio de esta ciudad, donde entró a los 9 años. Cursó composición con Lauro Rossi. Carente de recursos, llevó una vida azarosa hasta que influido por la ópera Cavalleria Rusticana del compositor italiano Pietro Mascagni, escribió la ópera Pagliacci, que obtuvo un gran éxito. Desde que se estrenó en Milán en 1892 no ha disminuido su popularidad. Otras dos óperas suyas, La Bohème homónima de la obra de Giacomo Puccini (1897), y Zazà (1900) consiguieron un éxito relativo, pero el gran proyecto de su vida era componer una trilogía renacentista. Se llamaría Crepusculum; sólo se estrenó la primera parte, I Medici (1893), que no tuvo gran éxito. Leoncavallo murió a los 61 años, contrariado por no haber podido repetir el éxito de I Pagliacci. Es el autor de la conocida canción Mattinata, escrita en 1903 para el famoso tenor Enrico Caruso.

Pietro Mascagni (Livorno, 7 de diciembre de 1863 - Roma, 2 de agosto de 1945), fue un músico italiano, uno de los mejores exponentes de la ópera verista,Pietro Mascagni nació en Livorno, y realizó estudios con el compositor Alfredo Soffredini. La obra más popular de Mascagni es la ópera Cavalleria Rusticana. Escrita en sólo dos meses y basada en una obra del escritor italiano Giovanni Verga, es un exponente del estilo de ópera italiana denominado verismo, que subraya el comportamiento violento de los personajes sometidos a una gran tensión emocional. Cavalleria Rusticana tiene libreto de G. Menasci y G. Targionni-Tozzetti, y se estrenó en Roma en 1890. El éxito de Pietro Mascagni con el verismo influyó en el compositor italiano Ruggiero Leoncavallo. Mascagni compuso 17 óperas, aunque sólo Cavalleria Rusticana y L'amico Fritz (1891) se mantienen en el repertorio musical actual. Otras óperas fueron Il piccolo Marat, Guglielmo Ratcliff, I Rantzau, interpretada por la famosa cantante Nellie Melba en el Covent Garden, y Nerone (1935) que era un tributo a Benito Mussolini, ya que Mascagni había aceptado ser el músico oficial del régimen fascista. Murió en el hotel Plaza de Roma cuando, desilusionado, se encontraba en la indigencia.

Jules Émile Frédéric Massenet (Saint-Étienne, 12 de mayo de 1842 - París, 13 de agosto de 1912), fue un compositor francés conocido por sus óperas, que fueron muy populares durante finales del siglo XIX y principios del XX.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi (15 de mayo de 1567, en Cremona - 29 de noviembre de 1643, en Venecia) fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama. En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas.

Federico Moreno Torroba (Madrid, 3 de marzo de 1891 - 12 de septiembre de 1982) fue un compositor español, uno de los más vitales y prolíficos cultivadores de zarzuelas del siglo XX. Fue también crítico musical y compositor de piezas para guitarra. Desde muy temprano, su talento le inclinó al teatro musical. Nacido en el seno de una familia de músicos, recibió sus primeras lecciones de su padre José Moreno Ballesteros, que era organista de la iglesia de la Concepción, y de Conrado del Campo en el Conservatorio de Madrid. Su carrera de compositor se abrió hacia el campo sinfónico, pero bien pronto se introdujo en la tradición zarzuelera, componiendo aproximadamente cincuenta títulos. Afirmado en su estilo expresivo en el más castizo españolismo, utilizaba un lenguaje directo y sencillo, pero de gran elegancia formal. Hasta su muerte, que le sorprendió trabajando para el ballet Don Quijote, desempeñaba el cargo de presidente de la Sociedad General de Autores de España, que tomó en 1974, y el de presidente de la Academia de Bellas Artes, que asumiera en 1978.

Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart,1 (Salzburgo, 27 de enero de 1756 – Viena, 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales. En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevadas a la categoría de mito. En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.2 Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años».

Modest1 Petróvich Músorgski (en ruso: Модест Петрович Мусоргский) (Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881) fue un compositor ruso, integrante del grupo de Los Cinco, el más personal y vigoroso de ellos. Entre sus obras destacan la ópera Borís Godunov y el poema sinfónico Una noche en el Monte Pelado.

Jacques Offenbach (n. Colonia, Alemania, 20 de junio de 1819 – f. París, Francia, 5 de octubre de 1880) fue un compositor y violonchelista judío nacido en la Confederación Germánica, convertido al catolicismo y nacionalizado francés1 , creador de la opereta moderna y de la comedia musical. Fue uno de los compositores más influyentes de la música popular europea del siglo XIX.

Amilcare Ponchielli (Paderno Fasolaro, 31 de agosto o 1 de septiembre de 1834 - Milán, 16 o 17 de enero de 1886) fue un compositor italiano. Actualmente, su obra más conocida es La Gioconda

Francis Jean Marcel Poulenc; París, 7 de enero de 1899 - París, 30 de enero de 1963) fue un compositor francés y miembro del grupo francés Les Six. Compuso la música en todos los grandes géneros, entre ellos la canción de arte, la música de cámara, oratorio, ópera, música de ballet y la música orquestal. El Crítico Claude Rostand, en Julio de 1950, en un artículo del Paris-Presse, describe a Poulenc como "mitad hereje, mitad monje" ( "Le moine et le voyou"), una etiqueta que se adjunta a su nombre para el resto de su carrera.

Serguéi Serguéievich Prokófiev (en ruso Серге́й Серге́евич Проко́фьев) (Sóntsovka, 23 de abril de 1891 – Moscú, 5 de marzo de 1953) fue un compositor y pianista ruso. Serguéi Prokófiev nació en Sóntsovka (actualmente la ciudad de Krásnoye, en la Óblast de Donetsk), Ucrania. Fue hijo único. Su madre era pianista y su padre ingeniero agrónomo relativamente acomodado. Prokófiev demostró a temprana edad, dotes musicales poco usuales y en 1902, cuando empezó a recibir lecciones particulares de composición, ya había escrito algunas piezas. En cuanto dispuso de las herramientas teóricas necesarias, se puso a experimentar, sentando las bases del que sería su propio estilo musical. Sus primeras obras, como el Concierto para piano n.º 1 (1911) y la Suite escita para orquesta (1914), le valieron mala fama como músico, pues no correspondía con la línea nacionalista rusa. Durante la Primera Guerra Mundial, Prokófiev regresó al Conservatorio. Estudió órgano para evitar ser reclutado. Compuso El jugador, ópera basada en la novela homónima de Fiódor Dostoievski, pero los ensayos estuvieron plagados de problemas y el estreno, previsto para el año 1917, tuvo que ser cancelado debido a la Revolución de febrero. En el verano de aquel año , Prokófiev compuso su primera sinfonía, la Clásica. Este es el nombre que él mismo le dio, dado que fue compuesta en un estilo que, según Prokófiev, Joseph Haydn habría usado si estuviera vivo en esa época.1 Una de sus obras más conocidas es Pedro y el lobo. Se trata de un trabajo programático para narrador y orquesta. De 1918 a 1933 vivió en Europa occidental, realizando giras como pianista en las que interpretaba obras propias como sus cinco Conciertos para piano y sus cinco primeras Sonatas para piano. Su obra más destacada en esta época es la Sinfonía clásica (1918). Durante los años en que vivió fuera de su país compuso para el empresario de los Ballets Rusos, Serguéi Diáguilev, los ballets Chout (1921), El bufón y El paso de acero (1927), apoteosis de la industrialización que estaba produciéndose en ese momento en Rusia. De este mismo periodo son las óperas El amor de las tres naranjas (1921), basada en una fábula del dramaturgo Carlo Gozzi (autor de Turandot), y El ángel de fuego (1919). En 1923 se casó con la cantante de origen español Lina Llubera.

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, (Lucca, 22 de diciembre de 1858 - Bruselas, 29 de noviembre de 1924) fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Nació en Lucca, localidad toscana. Puccini fue un visionario, fue el creador de los conceptos de música que van a regir al cine durante el siglo XX. Para el, el uso de pasajes modales o recursos politonales y la tonalidad o la atonalidad, eran cuestiones de efecto que estaban definidas por las necesidades dramáticas de la obra. Por ejemplo, en Tosca (ópera), la forma en que reemplaza el texto por pasajes musicales nos anticipa la acción que esta por acontecer, al mejor modo de Hicthkok en sus películas de suspenso. Otro ejemplo es en La Bohème, cuando escuchamos el tema de Mimi antes de que ella aparezca en escena, cuando Rodolfo les dice a sus amigos que se va a quedar en la buhardilla.1 Fue uno de los pocos compositores de ópera capaces de usar brillantemente las técnicas operísticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de sus melodías como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi y "Nessun Dorma" de Turandot forman parte hoy día de la cultura popular. Su primera ópera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo Manon Lescaut (1893). Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa solemne, un Himno a Roma, un capricho sinfónico, dos preludios sinfónicos y tres minués para cuarteto de cuerda.

Henry Purcell (/ˈpɜ:səl/ o /pársel/) fue un compositor británico del Barroco. Se desconoce la fecha exacta de su nacimiento, que probablemente fue en el año 1659,1 en St Ann's Lane, Old Pye Street (Westminster). Falleció el 21 de noviembre de 1695 en Dean's Yard (Westminster). Está considerado el mejor compositor inglés de todos los tiempos. Purcell incorporó elementos estilísticos franceses e italianos, generando un estilo propio inglés de música barroca.

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 25 de septiembre de 1683 - París, 12 de septiembre de 1764) fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca. Reemplazó a Jean-Baptiste Lully como el compositor dominante de la ópera francesa y fue duramente atacado por aquellos que preferían el estilo de su predecesor. Falleció en 1764, apenas un mes antes de que otro gran músico francés, Jean-Marie Leclair, muriera asesinado en un otoño aciago para la música.1 La obra lírica de Rameau —a la que comenzó a dedicarse casi a los 50 años y que consta de 31 obras— constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Clasicismo2 francés, en una época en que esos cánones se opusieron con fuerza a los de la música italiana, hasta bien entrado el siglo XVIII. Su obra más conocida es la ópera-ballet Les Indes galantes (1735), aunque suyas son algunas de las obras maestras del teatro lírico francés, como las tragedias Hippolyte et Aricie (1733), Castor et Pollux (1737), Dardanus (1739 y 1744) y Zoroastre (1749); las óperas-ballets, Les Fêtes d'Hébé (1739) y La Princesse de Navarre (1745); o la comedia Platée (1745). Sus obras líricas permanecieron olvidadas durante casi dos siglos, pero desde mediados del siglo XX se benefician del movimiento general de redescubrimiento de la música antigua. Sus obras para clavecín, sin embargo, han estado siempre presentes en el repertorio —Le Tambourin, L'Entretien des Muses, Le Rappel des Oiseaux, La Poule— y fueron interpretadas (al piano) en el siglo XIX, de igual modo que las obras de Bach, Couperin o Scarlatti. Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX3 4 y como el primer teórico de armonía clásica: sus tratados, a pesar de algunas imperfecciones, fueron hasta principios del siglo XX obras de referencia

Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

Nikolái Andréyevich Rimski-Kórsakov (en ruso: Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков, Nikolaj Andreevič Rimskij-Korsakov, pronunciado [nʲɪkəˌlaj ˌrʲim.skʲɪj ˈkorsəkəf], 6 de marzo jul./ 18 de marzo de 1844 greg.-8 de junio jul./ 21 de junio de 1908 greg.) fue un compositor, director de orquesta y pedagogo ruso miembro del grupo de compositores conocido como Los Cinco. Considerado un maestro de la orquestación, sus obras orquestales más conocidas —el Capricho español, la Obertura de la gran Pascua rusa y la suite sinfónica Scheherezade— son valoradas entre las principales del repertorio de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince óperas. Scheherezade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de hadas y temas populares.

Gioachino Rossini o Gioacchino (nacido como Giovacchino Antonio Rossini1 en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 y fallecido en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868) fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas particularmente por las bufas, pero con numerosas y determinantes aportaciones al mundo de la ópera seria. Todo ello le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.

Charles Camille Saint-Saëns (París, 9 de octubre de 1835 — Argel, 16 de diciembre de 1921) fue un compositor, director de orquesta, organista y pianista francés de música académica. Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré y a André Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa. Puede considerársele un jalón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel. Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología, específicamente a la rama de los lepidópteros. Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, y se entretuvo en discusiones con los mejores científicos europeos y escribió doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y organizaba sus conciertos de tal modo que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica, Problemas y misterios, un volumen de poesía, Rimes familières, y la comedia La crampe des écrivains, que tuvo un gran éxito. Su extensa obra —elaboró más de 400 composiciones, en las que abordó casi todos los géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere demasiado académica, en Francia, sobre todo. Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine. Aunque vivió casi siempre en París, se consideraba hijo adoptivo de Dieppe, pequeña ciudad de la Alta Normandía, donde se instaló en 1888. Hoy día su legado se expone en el Château-Musée de dicha localidad, en una sala expresamente dedicada a él, el salón Saint-Saëns.

Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (en ruso: Дмитрий Дмитриевич Шостакович) (San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906 – Moscú, 9 de agosto de 1975) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético, y uno de los más reconocidos compositores del siglo XX. Shostakóvich obtuvo fama en la Unión Soviética bajo el patrocinio del jefe de personal de León Trotsky, Mijail Tujachevski. Pero después tuvo una relación difícil con la burocracia estalinista y con el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). El Partido Comunista denunció públicamente su música en 1936 y en 1948, con esto temporalmente fue convirtiéndose en prohibida. A pesar de ello, con el paso del tiempo recibió halagos por su música dentro de la URSS e incluso reconocimientos del Estado. A pesar de la controversia, su trabajo fue popular y bien recibido. Sin embargo, en público se mostró leal con el sistema soviético, aceptó el carné del PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al gobierno estalinista y el Estado soviético ha sido tema de agrias polémicas políticas y musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakovich fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. Tras un período de influencia por Prokofiev y Stravinsky, desarrolló un estilo híbrido, como lo ejemplifica la ópera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), que posteriormente derivó hacia un romanticismo musical tardío. La influencia de Mahler se combina con la de la tradición musical rusa, con Mussorgsky y Stravinsky como referentes importantes. Shostakóvich integró todas esas influencias creando un estilo muy personal. La música de Shostakóvich suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos,1 con un componente rítmico muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonías y seis conciertos; entre la música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

Bedřich Smetana (pronunciado [ˈbɛdr̝ɪx ˈsmɛtana] (?·i); 2 de marzo de 1824 – 12 de mayo de 1884) fue un compositor checo pionero en el desarrollo de un estilo musical que quedó íntimamente ligado a las aspiraciones independentistas de su país. Por ello, se lo reconoce en su país como el padre de la música checa. Internacionalmente es conocido por su ópera La novia vendida y por el ciclo de poemas sinfónicos Má vlast (‘Mi patria’) que representan la historia, leyendas y paisajes de la patria natal del compositor. Smetana poseía un talento natural para el piano y dio su primer recital a los seis años. Tras recibir una educación convencional en la escuela, estudió música con Josef Proksch en Praga. Escribió su primera composición nacionalista durante el levantamiento de Praga de 1848, en el que participó por poco tiempo. Ante la imposibilidad de iniciar su carrera en Praga, se dirigió a Suecia, donde se estableció como profesor y director de coro en Gotemburgo y empezó a escribir obras orquestales de gran escala. Durante este periodo de su vida, Smetana se casó dos veces y tuvo seis hijos, de los cuales tres fallecieron durante su infancia. A principios de la década de 1860 un clima político más liberal en Bohemia alentó a Smetana a regresar permanentemente a Praga. Se entregó a la vida musical de la ciudad, principalmente como defensor del nuevo género de la ópera checa. En 1866 sus dos primeras óperas, Los brandenburgueses en Bohemia y La novia vendida, fueron estrenadas en el nuevo Teatro Provisional de Praga, alcanzando esta última gran popularidad. Ese mismo año, Smetana llegó a ser el director principal del teatro, pero los años de su dirección estuvieron marcados por la polémica. Las facciones encargadas de la creación musical de la ciudad consideraban que su identificación con las ideas progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner eran hostiles al desarrollo de un estilo de ópera checa distintivo. Esta oposición interfirió con su trabajo creativo y pudo haber acelerado la degradación de su salud, precipitando su dimisión del teatro en 1874. A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente sordo, pero, liberado de sus funciones de teatro y la polémica que causaba, comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo cada vez más reconocidas y respetadas, pero un colapso mental a principios de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y su posterior fallecimiento. La reputación de Smetana como el padre fundador de la música checa se ha fortalecido en su país natal, donde los defensores lo han convertido en icono por encima de sus contemporáneos y sucesores. Sin embargo, relativamente pocas de las obras de Smetana se encuentran en el repertorio internacional y la mayoría de los expertos extranjeros tienden a considerar a Antonín Dvořák como el compositor checo más importante.

Johann Strauss II (en alemán: Johann Strauß Sohn, Johann Strauß hijo) (25 de octubre de 1825, St. Ulrich, Austria - 3 de junio de 1899, Viena) fue un compositor austriaco conocido especialmente por sus valses, como Danubio azul. Hijo del compositor Johann Strauss I y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, Johann II es el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como "el rey del vals" y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo. Sus obras gozan de mayor popularidad que las de sus predecesores, como su padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).

Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864 — 8 de septiembre de 1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el Romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz. Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1 Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky2 (Conversaciones con Stravinski). Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Piotr Ilich Chaikovskinota 1 (en ruso: Пётр Ильич Чайковский, pronunciado [ˈpʲotr ɪlʲˈjit͡ɕ t͡ɕɪjˈkofskʲɪj]; ( escuchar); Vótkinsk, 25 de abriljul./ 7 de mayo de 1840greg. – San Petersburgo, 25 de octubrejul./ 6 de noviembre de 1893greg.)nota 2 fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética) y la ópera Eugenio Oneguin. Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera. Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del Zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio

Charles Louis Ambroise Thomas (Metz, 5 de agosto de 1811 - París, 12 de febrero de 1896) fue un compositor de ópera francés. Es muy conocido por su ópera Mignon y por su versión de Hamlet de Shakespeare en 1868.

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable e influyente compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.

Richard Wagner, con nombre completo Wilhelm Richard Wagner (Leipzig, Reino de Sajonia, Confederación del Rin, 22 de mayo de 1813 – Venecia, Reino de Italia, 13 de febrero de 1883), fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía. En sus inicios, fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés errante y Tannhäuser que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer. Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Sin embargo, sus ideas sobre la relación entre la música y el teatro cambiaron nuevamente y reintrodujo algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, como en Los maestros cantores de Núremberg. Las obras de Wagner, particularmente las de su último periodo (que se corresponden con su etapa romántica), destacan por su textura contrapuntística, riqueza cromática, armonía, orquestación y un elaborado uso de los leitmotivs (temas musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama). Wagner fue pionero en varios avances del lenguaje musical, como un extremo cromatismo (asociado con el color orquestal) o la ampliación del cosmos armónico a través de un continuo desplazamiento de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música clásica europea. Su ópera Tristán e Isolda se describe a veces como punto de inicio de la música académica contemporánea. La influencia de Wagner se extendió también a la filosofía, la literatura, las artes visuales y el teatro. Hizo construir su propio teatro de ópera, el Festspielhaus de Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contienen diseños novedosos. Allí tuvo lugar el estreno de la tetralogía del Anillo y Parsifal, donde actualmente se siguen representando sus obras operísticas más importantes en un Festival anual a cargo de sus descendientes. Los puntos de vista de Wagner sobre la dirección orquestal también fueron muy influyentes. Escribió ampliamente sobre música, teatro y política, obras que han sido objeto de debate en las últimas décadas, especialmente algunas de contenido antisemita y por su supuesta influencia sobre Adolf Hitler y el nazismo. Wagner logró todo esto a pesar de una vida que se caracterizó, hasta sus últimas décadas, por el exilio político, relaciones amorosas turbulentas, pobreza y repetidas huidas de sus acreedores. Su agresiva personalidad y sus opiniones, con frecuencia demasiado directas, sobre la música, la política y la sociedad lo convirtieron en un personaje polémico, etiqueta que todavía mantiene. El impacto de sus ideas se puede encontrar en muchas de las artes del siglo xx.

Carl Maria von Weber (18 de noviembre de 1786 - 5 de junio de 1826) fue un compositor romántico alemán.Nació en Eutin, una ciudad pequeña cercana a Lübeck en el norte de Alemania, con el nombre completo de Carl Maria Friedrich Ernst von Weber. Su padre era un oficial militar, que, sin embargo, se dedicaba a tocar el violín, y su madre había cantado en los escenarios. Sus cuatro primas, hijas del hermano de su padre, eran también cantantes conocidas. Una de ellas, Constanze, se convirtió en la esposa de Mozart, con lo cual se creó un vínculo familiar entre Mozart y Weber.

Maria Luigi Carlo Zenobio Salvatore Cherubini (Florencia, 14 de septiembre de 1760 - París, 15 de marzo de 1842), más conocido como Luigi Cherubini, fue un compositor italiano.

Giovanni Battista Draghi, llamado Pergolesi1 (Iesi, 4 de enero de 1710 - Pozzuoli, 16 de marzo de 1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. Confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa y el de los partidarios de la nueva ópera bufa italiana.

Nikolái Yákovlevich Miaskovski Никола́й Я́ковлевич Мяско́вский (Novogueórguiyevsk, 20 de abril de 1881 — Moscú, 8 de agosto de 1950) fue un compositor ruso que vivió durante el período soviético.

Santiago Lanchares: 1952 - Nació en Piña de Campos (Palencia) en 1952. Realizó los estudios musicales en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, como alumno de Carmelo Bernaola, Francisco Calés y Luis de Pablo. Posteriormente asistió a Cursos y Seminarios de composición impartidos entre otros por Olivier Messiaen, Cristóbal Halffter, Helmut Lachenmann, Lejaren Hiller y Tomás Marco. Santiago Lanchares ha recibido encargos del Centro de Difusión de la Música Contemporánea, Radio Nacional de España, Quincena Musical Donostiarra, Proyecto Guerrero, Festival de Alicante, Conservatorio de Yakarta, así como de solistas, grupos e instituciones privadas. Sus obras se han interpretado en distintos Ciclos y Festivales europeos: La Música de Nuestro Tiempo (Madrid), Festival Nova Consonanza (Roma), Festival Internacional de Música Experimental de Bourges (Francia), Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Conciertos de la Casa Velázquez (París), Festival de Santander, Festival de Flandes (Bruselas). Por otra parte, con su obra Recordando a Ma Yuan representó a España en la Tribuna de la Unesco de 1992 en la modalidad de Música electroacústica. De 1981 a 1995 fue colaborador de Radio 2 Clásica, en donde trabajó como director y guionista de numerosos programas. Ha desarrollado actividades de comentarista musical y crítico discográfico, y productor de grabaciones musicales. Asimismo, en octubre del 2002, el XVIII Festival de Alicante le rindió homenaje en su 50 aniversario en el concierto de clausura del Festival. Su obra Anandamanía fue seleccionada para la Tribuna Internacional de Compositores de la Unesco de 2003.

QUINIHICO HASHIMOTO (1904 – 1949), fue uno de los principales compositores japoneses de la primera mitad del siglo XX. Mostró su talento adaptándose a una variedad de estilos incluyendo el romanticismo, el nacionalismo, el jazz y la atonalidad. Fue también un violinista, conductor y educador, pero su carrera estuvo marcada por la tragedia, los caprichos de la política y la guerra. Hashimoto nació el 14 de septiembre de 1904 en Tokio. Cuando todavía era joven, su familia se mudó a Osaka, donde tuvo su primer contacto con la música occidental, tocando en la banda de la escuela primaria. En su escuela secundaria, estudió violín con Kichinosuke Tsuji, el más renombrado maestro de entonces en Osaka, pero gradualmente volvió a su interés por la composición antes que la interpretación. En 1923 ingresó en la Escuela de Música de Tokio, actualmente la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, una institución que contaba con la mejor implementación para el estudio de la música occidental, Sus estudios principales eran el violín y la composición y como el establecimiento no contó con profesores de composición hasta la primera la mitad de la década de 1930, los estudiantes tenían que buscar en otro lugar a los profesores de composición. Aparte de estudiar en ocasiones con Nobutoki Kiyoshi, un alumno de Georg Schumann, en Berlín, Hashimoto adquirido su capacidad como compositor prácticamente sin ayuda. Fue también un competente pianista. Considerándose a sí mismo como un compositor popular durante la segunda mitad de la década de 1920, Hashimoto produjo una gran variedad de canciones de concierto. Al igual que Kurt Weill en Berlín, se esforzó por romper la barrera entre la música clásica y la música popular, realizando un intenso trabajo como compositor de canciones para películas, comerciales, así como canciones de jazz. Si bien se ganó una cierta reputación como un enfant terrible, tuvo que representar también un riguroso academicismo, cuando asumió el cargo de profesor en la Escuela de Música de Tokio. De 1934 a 1937, Hashimoto estudia en Europa, enviado por el Ministerio de Educación. Pasó un tiempo en Viena, donde estudió con Egon Wellesz, alumno de Schoenberg. Habiendo regresado a Japón, no fue fácil para él establecer una carrera como compositor libre y modernista. En el año siguiente a la derrota de Japón en 1945, Hashimoto adquiere responsabilidades musicales en tiempos de guerra. Siendo este un difícil período, escribiría sin embargo algunas obras maestras. La Suite de Invierno para voz solista y conjunto de cámara representa a las personas abatidas después de la guerra, mientras que en Tres Oraciones de los Budistas Japoneses para voz solista y orquesta, que sugieren la música de Mahler, expresa el profundo pesar de los intelectuales por haber inducido a muchos jóvenes a morir en la guerra en defensa del patriotismo. A pesar de ello, escribió su optimista Sinfonía N º 2, para celebrar la Constitución Democrática de Japón recién creada. Japón experimentó un cambio profundo de sus valores después de la guerra. A través de estos años, Hashimoto nunca estuvo libre del estrés y las tensiones, lo que fue minándolo física y mentalmente. En 1948 se le diagnóstico un cáncer. Mientras lucha contra la enfermedad postrado, se convierte al cristianismo, y el 6 de mayo del año 1943 muere en Kamakura. Algunos de sus alumnos son figuras destacadas en el mundo musical japonés de la post-guerra, tales como Yasushi Akutagawa, Toshiro Mayuzumi y Akio Yashiro.

Fryderyk Franciszek Chopin (Szopen) (en francés, Frédéric François Chopin, Żelazowa Wola, Polonia, 22 de febrero o 1 de marzo de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro

Johann Sebastian Bach (IPA /joˈhan/ o /ˈjoːhan zeˈbastjan ˈbax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzojul./ 31 de marzo de 1685greg., – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados. Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días

Ralph Vaughan Williams (n. en 1872 - f. en 1958) fue un compositor británico de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.

Ennio Morricone (Roma, 10 de noviembre de 1928) es un compositor y director de orquesta italiano. Es mundialmente conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas como también piezas sinfónicas y corales. Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del Spaghetti western de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966) o Hasta que llegó su hora (1968). No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX. Sus composiciones para Días del cielo, La misión o Cinema Paradiso son catalogadas como auténticas obras maestras. Nacido en Roma, Morricone comenzó a tocar la trompeta cuando era niño y lo estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia a la edad de nueve años. Cuando contaba con doce, entró en un conservatorio inscribiéndose en un programa de armonía de cuatro años. Su diploma de trompeta lo recibió en 1946 y a partir de ese año comenzó a trabajar profesionalmente componiendo la música de Il Mattino ("La Mañana"). Pronto ganó popularidad debido a la composición de música de fondo para programas de radio y poco después daría el salto a la gran pantalla. En la década de los 50 recibió el "Diploma en Instrumentación para Banda". También le fue otorgado por el también compositor Goffredo Petrassi un diploma en composición. En 1955, Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine. Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia de Morricone, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del Western tradicional con la película Un puñado de dólares. En los años 80 y 90, Morricone continuó componiendo para Leone, como en Érase una vez en América (1984). También compuso para otros directores como Roland Joffé en La misión (1986), Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness (1987) o Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso (1988). Otras composiciones más recientes de carácter notable son en las películas Malèna (2000), Campos de Esperanza (2005) o Baarìa (2009). Morricone ha recibido dos premios Grammy, dos Globos de Oro, cinco BAFTA, siete David de Donatello, ocho Nastro d'argento y el Premio de Música Polar en 2010, considerado este último como el Nobel de la música. En 2007, recibió el Óscar honorífico "por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine", además de ser nominado al Óscar cinco veces en la categoría de Mejor banda sonora original. A lo largo de su carrera, Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.

Charles-Marie Widor (Lyon, 21 de febrero de 1844 - París, 12 de marzo de 1937), fue un compositor y organista francés célebre por sus sinfonías. La obra que más sobresale es la tocata de su Sinfonía nº. 5 que suele tocarse al culminar una ceremonia nupcial. Ocupó además el puesto de organista en la iglesia de Saint-Sulpice de París desde muy joven, a sus 26 años.

Johann Christoph Pachelbel (Núremberg, Sacro Imperio, 1 de septiembre 1653 - ibídem, 3 de marzo 1706), fue un destacado compositor, clavicembalista y organista alemán del periodo barroco. Se cuenta entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo. Entre sus numerosas composiciones hay que mencionar su célebre Canon en re mayor, escrito para tres violines y bajo continuo, obra que ha sido objeto de numerosas grabaciones. Además de componer una gran cantidad de obras sacras y seculares, contribuyó al desarrollo del preludio de coral y fuga, lo que le granjeó un lugar entre los compositores más importantes de la era barroca

Joaquín Rodrigo Vidre, I Marqués de los Jardines de Aranjuez (Sagunto, 22 de noviembre de 1901 - Madrid,1 6 de julio de 1999), ya en vida conocido como el Maestro Rodrigo, fue un compositor español de música clásica.

Felix Mendelssohn (Hamburgo, 3 de febrero de 1809 – Leipzig, 4 de noviembre de 1847), cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán. Era nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de una destacada familia judía, que más tarde se convirtió al protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.1 Al temprano éxito en Alemania, le siguió un viaje a través de toda Europa; Mendelssohn fue recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor, director y solista, y sus diez visitas allí, durante las que estrenó la mayoría de sus obras, formaron una parte importante de su carrera adulta. Fundó el Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas musicales radicales de algunos de sus contemporáneos. Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música para piano y música de cámara. También tuvo un importante papel en el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos del XX, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico.

Gabriel Urbain Fauré (Pamiers, 12 de mayo de 1845n 1 - París, 4 de noviembre de 1924) fue un compositor, pedagogo, organista y pianista francés. Considerado el compositor francés más destacado de su generación, su estilo musical influyó a muchos compositores del siglo XX. Dentro de sus obras más conocidas destacan la Pavana, el Réquiem, los nocturnos para piano y las canciones «Après un rêve» y «Clair de lune». Nacido en una familia culta pero sin particular afición musical, Fauré demostró su talento para la composición cuando apenas era un niño. Fue enviado a un colegio de música en París, donde se le formó para ser organista de iglesia y director de coro. Entre sus mentores se encontraba Camille Saint-Saëns, que se convertiría en su amigo de por vida. Durante los primeros años, Fauré se ganaba la vida de forma modesta como organista y maestro, lo que le dejaba poco tiempo para componer. Cuando alcanzó el éxito, ocupando los importantes cargos de organista de la iglesia de la Madeleine y director del Conservatorio de París, apenas tenía tiempo para componer, retirándose al campo durante las vacaciones de verano para dedicarse a la composición. En sus últimos años, Fauré fue reconocido en Francia como el compositor francés más importante de su época. Recibió un homenaje musical nacional sin precedentes en París en 1922 encabezado por el entonces presidente Alexandre Millerand. Fauré tenía varios admiradores en Inglaterra pero su música, si bien era conocida en otros países, tardó décadas en ser ampliamente aceptada. Su legado ha sido descrito como el enlace entre el final del Romanticismo y el modernismo del segundo cuarto del siglo XX. Cuando nació, Chopin aún componía, y en el momento de su muerte, la música atonal de la Segunda Escuela de Viena era escuchada. El Grove Dictionary of Music and Musicians, que lo describe como el compositor más avanzado de su generación en Francia, indica que sus innovaciones armónicas y melódicas influyeron en la enseñanza de la armonía musical a las generaciones posteriores. Contrastando con el encanto de sus primeras obras, sus últimas composiciones, escritas cuando su sordera era cada vez mayor, son elusivas y retraídas en cuanto a carácter

Klaus Badelt (12 de junio de 1967) es un compositor alemán de bandas sonoras y miembro del equipo de Remote Control. Bajo la tutela de su mentor Hans Zimmer, Badelt ha puesto música a las películas La máquina del tiempo, The Recruit, Equilibrium, y K-19: The Widowmaker y es considerado una de las mayores promesas en el mundo de las bandas sonoras para películas. También trabajó en Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra y obtuvo reconocimiento por su esfuerzo por parte de Remote Control.

Josef Strauß (* 20 de agosto de 1827 en Viena, distrito de Mariahilf; † 22 de julio de 1870 en Viena) fue un compositor y director de orquesta austriaco.Josef Strauß fue hijo de Johann Strauß (padre) y hermano de Johann Strauß (hijo) y Eduard Strauß. A diferencia de su familia, Josef no ambicionaba una carrera musical. Por el contrario, estudió en el Politécnico de Viena (hoy Universidad Técnica de Viena), trabajó como aparejador en la construcción de una presa en Trumau (Baja Austria) y diseñó dos máquinas para limpiar las calles. A finales del otoño de 1852, cuando su hermano Johann regresó a casa extenuado después de una gira de conciertos, Josef se vio obligado a suplirle en su cargo de maestro de capilla durante el año siguiente. Su primer trabajo fue el vals Die Ersten und die Letzten. A lo largo de los años posteriores, sustituyó cada vez con más frecuencia las ausencias de su hermano. Recibió clases de composición y aprendió a tocar el violín. Estando de gira en Varsovia, Strauß se desplomó inconsciente y poco tiempo después moriría en Viena. Está enterrado en el cementerio central (Zentralfriedhof) de la capital austriaca.

Eduard Strauss (en alemán Eduard Strauß) fue un compositor austriaco. Junto con sus hermanos Johann Strauss II y Josef Strauss formaron el corazón de la dinastía musical Strauss. La familia dominó la música ligera vienesa por décadas, creando muchas obras, tanto valses como polkas para nobles austríacos y para amantes de la música de baile alrededor de Europa. En su familia le llamaban afectivamente Edi.

Hijo Eduard Strauss, conocido como Johann III también realizó y compuso, aunque menos. Él no suele clasificar como altamente como sus predecesores, aunque algunas de sus composiciones han sido grabadas, como Krönungswalzer y Im Galopp . Él escribió una opereta, Katze und Maus , en 1898, donde su Dragoner Marsch viene. Esto, y otras piezas de esta opereta se registraron en Espíritu de Viena Volumen 1.

Arvo Pärt es un compositor estonio. Nació el 11 de septiembre de 1935 en Paide (Estonia). Se le identifica con la música minimalista y más específicamente con el «minimalismo sacro». Es considerado un pionero en ese estilo, como sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener. Arvo Pärt es más conocido por las obras de su segundo período compositivo (trabajos corales).

"Maiguashca estudió en el Conservatorio de Quito; en Eastman School of Music de Rochester, NY (1958-63); en el Instituto Di Tella (1963-64) en Buenos Aires con Alberto Ginastera y en la Hochschule für Musik en Colonia donde trabajó con Karlheinz Stockhausen. En 1965–66 viajó a Quito para enseñar en el Conservatorio de Música pero regresó a Alemania en 1966 para asistir a los cursos de la Hochschhule für Musik en Colonia, los cursos de verano de Darmstadt y los cursos de Colonia para la nueva música" (1966–67).1 "Entre 1968 - 72, Maiguashca trabajó con Stockhausen en el Estudio Electrónico de la Westdeutscher Rundfunk (Radio de Alemania del Oeste) en Colonia y viajó con el ensamble de Stockhausen para presentar varios conciertos y actividades en el pabellón alemán de la Expo 70 de Osaka. Preparó la grabación de la composición colectiva Ensemble organizada por Stockhausen para el curso de verano de Darmstadt, 1967. Fue uno de los fundadores, en 1971, del grupo de compositores e intérpretes Oeldorf también trabajó en el Centro Europeo para la Investigación Musical de Metz, en el IRCAM de París y en el ZKM, Zentrum für Kunst und Medientechnologie de Karlsruhe".2 Ha enseñado también en Basilea, Bogotá, Cuenca, Györ, Quito, Stuttgart entre otras ciudades. De 1990 a 2004 fue catedrático de música electroacústica en la Musikhochschule de Friburgo, ciudad en la que vive desde 1996.

Valentín Silvestrov (ucraniano: Валентин Сильвестров, nació el 30 de septiembre de 1937 en Kiev, Ucrania es un pianista y compositor contemporáneo.

Galina Ivánovna Ustvólskaya (en ruso: Галина Ивановна Уствольская, Galina Ivánovna Ustvól'skaya) (Petrogrado, 17 de junio de 1919 — † San Petersburgo, 22 de diciembre de 2006), fue una compositora rusa de Música clásica.

Sofiya Asgátovna Gubaidúlina (en ruso: София Асгатовна Губайдулина) (Chistopol, Tartaristán, 24 de octubre de 1931), es una compositora rusa-tártara, conocida por la profundidad religiosa de su música.

Wolfgang Rihm (Karlsruhe, Alemania, 13 de marzo de 1952), es un compositor alemán.

Ricardo Dal Farra (Buenos Aires, Argentina, 1957). Compositor, artista multimedia, educador, investigador, intérprete y curador, desarrolla su actividad profesional en el área de confluencia entre las artes, las ciencias y las nuevas tecnologías desde hace más de 25 años.

Arturo Rodas (Quito , 3 de marzo 1954) es un compositor ecuatoriano naturalizado francés

Armando Guevara fue hijo del médico Domingo Guevara y Yañez y de Elvira Ochoa de Guevara. Desde muy niño demuestra su afición por la música participando en muchas presentaciones y reuniones sociales interpretando con su violin sus propias composiciones. Entre sus primeras composiciones están : A mi madre (yaraví y huayno), Lorco Herrera y Elvia, Andes (huaynos), Angélica y Victoria (valses) y Romanza (melodía), cuyas partituras fueron publicadas por la Editorial Musical Maldonado y por La Rosa Hermanos )de Lima). A los 11 años, el 9 de mayo de 1937 hace su primera presentación publica en el Teatro Municipal en el día de la Madre, interpretando al violin las piezas musicales: Berceuse de Jocelym, Minuetto de Beethoven y A mi madre, acompañado por el maestro Roberto Carpio.. En Lima continúa sus estudios musicales, viajando luego a los Estados Unidos, en el Conservatorio de New England, en Boston y en otras instituciones. Ha actuado en diversos escenarios como el Carnegie Hall de Nueva York, donde estrena su Poema Sinfónico el 16 de abril de 1951, y en el Canning House de Londres, estrenando Partitura Peruana. En 1990 dona algunas de sus partituras a la Biblioteca Perkins de la Universidad de Duke y a otras instituciones. Fue el primer peruano en ser declarado "Patrimonio Cultural Vivo de la Nación", distinción que fue reconocida otorgándole el grado de socio honorifica en la ONG-D Hatun Ñawi como muestra de gratitud a su aporte a la cultura peruana. Asociación Civil, Cultural y de Comunicaciones Hatun Ñawi.Presidente Raúl Vásquez Escalante

Manuel de Falla y Matheu (Cádiz, España, 23 de noviembre de 1876 - Alta Gracia, Argentina, 14 de noviembre de 1946) fue un compositor nacionalista español. Con Isaac Albéniz, Joaquín Rodrigo, Enrique Granados y Joaquín Turina es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España.

Pantaleón Enrique Joaquín Granados Campiña, más conocido como Enrique Granados, (Lérida, 27 de julio de 1867 - Canal de la Mancha, 24 de marzo de 1916) fue un compositor y pianista español. Es conocido por su obra pianística, especialmente para la suite Goyescas (1911), en la que basó también la ópera del mismo nombre. Creó la escuela de piano en Barcelona, que ha producido figuras tan relevantes como Frank Marshall y Alicia de Larrocha. Suele encuadrársele en el neo-romanticismo por su vinculación estilística con el piano de Chopin, Schubert, Schumann y Edvard Grieg. Murió en el naufragio de la nave Sussex, en el Canal de la Mancha, al ser torpedeada por la armada alemana en el transcurso de la Primera Guerra Mundial. Una parte del fondo personal de Enrique Granados se conserva en la Biblioteca de Cataluña.

George Philipps Telemanns (Magdeburgo, Alemania, 14 de marzo de 1681 – Hamburgo, Alemania, 25 de junio de 1767) fue un compositor barroco alemán, aunque su obra también tuvo características de principios del clasicismo. Autodidacta en música, estudió leyes en la Universidad de Leipzig. Fue contemporáneo de Johann Sebastian Bach y amigo a lo largo de toda su vida de Georg Friedrich Händel. Telemann no tuvo nunca la fama de sus demás amigos compositores. Tan prolífico que nunca fue capaz de contar el número de sus composiciones, viajó mucho, absorbiendo diferentes estudios musicales e incorporándolos a sus propias composiciones. Consiguió una serie de cargos importantes, culminando con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo, desde 1720 hasta su muerte, en 1767. Le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.

Josef Anton Bruckner (Ansfelden, 4 de septiembre de 1824 - Viena, 11 de octubre de 1896) fue un compositor y organista austriaco.

Alessandro Scarlatti (Palermo, 2 de mayo de 1660 - Nápoles, 22 de octubre de 1725) fue un célebre compositor italiano que jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera, contribuyendo a perfeccionar las formas del aria da capo y de la obertura italiana de tres movimientos. Fue uno de los primeros compositores en utilizar el recitativo con instrumentos, denominado recitativo acompañado, en lugar del recitativo anterior, llamado seco, con clavicémbalo y órgano. Su lista de obras es inmensa y prácticamente desconocida para el gran público, incluyendo más de cien óperas italianas, ochocientas cantatas italianas, serenatas para voces e instrumentos, madrigales, treinta y ocho oratorios (de los que sólo veinte se conservan), más de cien motetes y cantatas sacras, una pasión y doce misas. En los géneros de la música instrumental compuso también sinfonías, concerti grossi, sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave. Scarlatti comenzó a labrarse un nombre como compositor con tan sólo 18 años en Roma, donde produjo su primera ópera conocida Gli Equivoci nel Sembiante, en 1679, con gran éxito.